“Uemura Shoen et la quintessence des Bijinga, les Peintures de Belles Femmes.”

“Uemura Shoen et la quintessence des Bijinga, les Peintures de Belles Femmes.” Yamatane Museum of Art (29 aout au 22 Octobre 2017)

Uemura

Uemura Shoen (1875-1949) est un peintre nihonga qui eut une belle carrière pendant les périodes Meiji, Taisho et les premières années Showa. Se spécialisant dans le genre bijinga (les peintures de belles femmes), Shoen a voulu représenter des femmes non seulement parées dans leurs plus beaux atours, mais exprimer la quintessence de leur  beauté , capturant la grâce et la force des femmes.

Du 29 août par au 22 octobre 2017, le Musée Yamatane d’Art présentait 18 des peintures de Shoen à côté de 70 oeuvres supplémentaires par d’autres artistes célèbres.

Dans cet entretien, je parle à la journaliste et traductrice basée à Tokyo , Alice Gordenker, qui a donné  le 22 septembre  une visite guidée en anglais de l’exposition actuelle du musée, “Uemura Shoen et la quintessence des Bijinga, les Peintures de Belles Femmes.”

Eve : Alice, je vous remercie de prendre du temps sur votre programme chargé pour cet entretien via un courrier électronique.

Uemura Shoen (1875-1949) eut une carrière très brillante dans un domaine qui à l’époque appartenait en grande partie aux hommes. Malgré les défis à relever, elle fut une des rares femmes à être nommée artiste de la maison impériale ainsi que la première femme à se voir récompensée par l’Ordre de la Culture pour sa contribution à l’art japonais. Elle a aussi eu une vie privée très intéressante, ce que certains pouraient voir comme tout à fait moderne pour son temps. Pourriez-vous partager avec nous brièvement sur le contexte de Shoen et des anecdotes personnelles qui se détachent ?

Alice : Shoen est remarquable d’un certain nombre de façons, la moindre n’ est pas seulement sa réussite en tant qu’ artiste au long de sa vie, et comme vous avez indiqué – également parce qu’il y avait beaucoup d’obstacles pour les femmes en tant qu’artistes professionnels. Elle ne s’est jamais mariée, mais avait un fils, le futur peintre Uemura Shoko, qu’elle a élévé seule avec l’aide de sa mère, qui fut un grand soutien dans la carrière de Shoen. Plus tard, Shoen a aussi donné naissance à une fille.

Eve : Merci pour cette présentation de l’artiste. Que peuvent s’attendre à voir les visiteurs du musée à cette exposition ?

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Alice: Tout d’abord, c’est une merveilleuse occasion de voir un grand nombre des peintures de Shoen réunies. Le fondateur du Musée Yamatane d’Art, Yamazaki Taneji (1893-1988), y a maintenu une grande proximité avec Shoen, encouragé par sa femme, qui était une grande adminatrice de son travail. Quand Shoen venait à Tokyo de Kyoto, par exemple, les Yamazakis envoyait une voiture pour elle et payaient la note pour son hôtel et ses repas. Cette proximité a permis à Yamazaki d’acquérir un grand nombre de ses peintures. Le Musée d’art Yamatane met en avant certaines des peintures les plus connues et les plus représentatives de Shoen, y compris “la Luciole” [1933, illustrant le prospectus du musée ci-dessus] et “Kinuta” [1938, présenté ci-dessous]. Avec un total de 18 oeuvres, elle est considéré une des meilleures collections Shoen.

Eve: l’exposition est divisée en quatre sections. Comment fut géré l’organisation de celle ci ?

Alice: Je n’ai pas été impliquée dans la planification de l’exposition, mais comme le Conservateur principal Takahashi Minako l’explique, le but de cette exposition était de présenter la collection complète des peintures de Shoen du musée ensemble à un moment donné. La première section de l’exposition-Uemura Shoen- fragrances de pierres précieuses- consiste en un impressionnant alignement de beautés en 17 peintures de Shoen. (“Kinuta” est montrée dans la deuxième section, des Femmes Célèbres de l’histoire et de la Littérature .)

Kinuta

Uemura Shōen 《Scene from the Noh Play Kinuta》, Color on Silk, Shōwa Period, 1938, Yamatane Museum of Art

Alice : la découverte de ces œuvres originales est tellement meilleure que de simples reproductions et il est aussi merveilleux de voir les montages – le hyoso – qui présente les peintures si admirablement. Shoen était très précise pour les montages de ses œuvres, choisissant souvent les tissus elle-même et dirigeant même le tissage de modèles spéciaux après commande.

Les Femmes célèbres des sections suivantes en Littérature et Histoire, Maiko et Geisha et des Beautés du passé et du présent, l’élégance du Costume japonais, beauté du costume Occidental – présentent une vaste gamme de belles femmes peintes par d’autres artistes, y compris des beautés Edo comme celles imaginées par Hishida Shunso (1874-1911) et Ikeda Terukata (1883-1921). Il y a aussi des peintures de femmes modernes en costume Occidental, comme mon favori de cette exposition, Le portrait d’une Dame (1957) par Ito Shinsui (1898-1972), que malheureusement je ne peux pas partager avec vous ici à cause du copyright.

Eve : Il y a aussi une section substantielle sur des reproductions dans l’exposition. Quelle relation ont les reproductions au genre de bijinga ?

Alice : Comme Takahashi-San l’explique, beaucoup de peintures de belles femmes ont été faites pendant la période Momoyama  à la période Edo;  résultat de la popularité naissante de la peinture de genre. Le style bijinga de la période Edo, qui inclut ukiyo-e, était très populaire parce qu’il décrivait pas seulement des femme avec de belles caractéristiques mais ont aussi parcequ’il dépeint des manières et des modes. Contrairement aux peintures, les copies pourraient être faites en grand nombre, apportant ces images nuancées de belles femmes à un beaucoup plus large public en aussi apportant de nouvelles idées et expressions au genre. À cette exposition, il y a quelques merveilleuses copies par des maîtres comme Suzuki Harunobu, Torii Kiyonaga. Kitagawa Utamaro et Tsukioka Yoshitoshi et vous pouvez vraiment voir les styles distincts et les caractéristiques de chaque artiste.

Eve : Cela semble merveilleux. Merci de partager sur l’exposition et j’aurais aimé pouvoir la voir. Je comprends que le 22 septembre le tour en anglais est déjà entièrement réservé. Y a-t-il des plans pour plus de visites et s’il en est ainsi, comment les gens peuvent s’inscrire?

Alice : C’est la première fois que j’organise une visite avec le Musée d’Art Yamatane , si tandis que rien n’est décidé tout de suite, nous sommes dans des discussions pour savoir comment nous pourrions nous fonder sur ce premier effort. J’annonce toutes les visites sur Facebook et par mon blog, donc les lecteurs peuvent suivre n’importe lequel d’entre ceux pour de nouveaux développements.

Eve : Guidez vous aussi des visites dans d’autres musées ?

Alice : Oui. Je dois aussi profiter de l’ occasion pour expliquer que c’est tout à fait inhabituel pour un musée au Japon de fournir des visites guidées dans des langues d’autres que le japonais. Quelques casques à écouteurs sur location dans les musées sont chargés de tours audio enregistrés en anglais en chinois et coréen, mais ceux-ci sont une exception plutôt quela règle(l’autorité).

Eve : je vois. Je travaille pour la Galerie nationale à Singapour et je peux me représenter la quantité de travail (et l’argent!), y compris le temps nécessaire pour produire des guides audio dans des langues différentes

Alice: oui, particulièrement pour des expositions spéciales avec des programmations temporaires. Donc, tandis que quelques musées fournissent vraiment des guides audio dans des langues étrangères, c’est plus inhabituel pour un musée au Japon de fournir un guide conférencier en personne qui peut guider un groupe avec des explications en anglais ou d’autres langues étrangères. Les conservateurs de musée au Japon sont très occupés, avec beaucoup de responsabilités différentes et peu sont à l’aise pour donner des conférences dans des langues autres que le japonais.

Eve: peut-il être fait par des volontaires, comme c’est dle cas ans d’autres pays?

Alice : En principe, oui, mais le bénévolat n’est pas répandu au Japon en comparaison d’ autres pays et il n’y a pas actuellement de système organisé pour former des volontaires de musée comme celui qui existe, par exemple, à Singapour. Il est possible que ceci puisse changer à un certain point de l’avenir ; par exemple comme le Japon se prépare pour les Jeux paralympiques et Olympiques de 2020, qui se tiendront à Tokyo et s’attendent à attirer des millions de visiteurs étrangers. À ce propos, le Musée d’Art Yamatane  a été très actif tant pour les visites en langue étrangère qu’en recrutement de bénévoles . De 2010 jusqu’à tout à fait récemment un petit nombre de volontaires, formés par le personnel de musée, faisait des visites en anglais, français et même l’italien. Malheureusement, ce programme s’est terminé quand le dernier des volontaires est retourné dans pays d’origine. Mais Mme Takahashi propose de guider les visites à la demande en anglais et le musée est certainement ouvert à travailler avec de nouveaux volontaires.

Eve: Étant donné les obstacles mentionnés, comment avez vous pu accéder aux visites de musée?

Alice: j’ai donné ma première visite guidée dans un musée au Japon en 2014, à Tokyo pour le Musée Photographique D’art (qui était alors connu sous le nom de Metropolitan Museum de Tokyo de Photographie), pour une exposition sur le premier Photographe japonais Shimooka Renjo. J’ai fait la traduction pour l’exposition, préparant non seulement des panneaux et des légendes en anglais, mais aussi des communiqués de presse et les versions anglaises des matériaux de référence qui ont été inclus dans un livre. J’ai travaillé très étroitement avec le conservateur responsable, Mitsui Keishi.

Il désirait partager de nombreuses nouvelles découvertes présentées dans cette exposition avec un aussi large public que possible, il a alors suggéré que je donne deux visites guidées en anglais. Elle ont été bien reçues,  donc j’ai continué à faire des visites de ses expositions sur les débuts de la photographie japonaise.

Eve: j’ai vu des indications sur des visites dans quelques autres musées, est ce exact ?

Alice: oui, j’ai aussi guidé un certain nombre de visites en anglais au Musée Métropolitain d’Art de Teien , le Musée d’Art Shoto et le Musée d’Art Toguri qui est un merveilleux petit musée se spécialisant dans la porcelaine japonaise Ko-Imari.

Eve : En aparté, je suis impressionnée par le travail que vous faites. Vous êtes aussi une journaliste établie, chroniqueuse de longue date au Japan Times et l’auteur de plusieurs livres . Par-dessus le marché vous traduisez et avez été productrice et présentatrice de TV Comment gérez-vous tant d’activités ?

Alice : Il peut sembler que je fais énormément de choses différentes, mais le fil conducteur de tous ces efforts est la présentation du Japon en anglais. C’est l’oeuvre de ma vie et j’ai l’intention de continuer à le faire tant que pourrai avoir des occasions de partager sur le Japon avec le monde, comme j’ai été si gentiment invitée à le faire par le Musée Yamatane d’Art.

Uemura Shoen et la quintessence  des Bijinga , les Peintures de Belles Femmes sont au Musée Yamatane d’Art du 29 août au 22 octobre 2017. (Fermé le 19 septembre, le 10 octobre et tous les lundis, à part le 18 septembre et le 9 octobre.)

Heures: 10h00 – 17h00 (la Dernière admission à 16h30)

Droits d’entrée: Adultes: 1,000 [800] yen; lycéens et universitaires: 800 [700] yen; collège et plus jeunes enfants: gratuitement

Pour rester informé des activités diverses d’Alice Gordenker et recevoir une info sur les prochaines visites guidées , on peut la suivre sur Facebook ou souscrire à son blog https://alicegordenker.wordpress.com

 

 

 

 

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Next teaching in Paris August

 

Nihonga workshop 5 days. August 3/4/5/6

Level: Beginners accepted

Duration: 5 days. From 10 am till 6 pm (one hour meal break, 30 minute morning break)
Materials: pigments, animal glue (nikawa), silk cotton, frame, Japanese paper, Japanese brushes.
Level: accessible any levels
Global objective: through the knowledge of the traditional materials, and technical exercises, to acquire the bases of the  traditional Japanese painting (nihonga) .
Intermediate objective:
Create 2 pictures (21/29,5) from a proposed motif or one brought by the participant, and several small sizes (12 /14 cm – 4.75 x 5.5 in) for the exercises (8 processes)

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Program
Day 1 and day 2:
Presentation of the participants and their expectations with regard to the course.
Presentation of materials, supports, Technical tools:
Preparation of the glue (nikawa)

Preparation of the paper (washi)

Mounting of the paper on a panel

How to prepare pigments

Preparation of the gofun

Sketch and its transfer

Drawing with ink

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Various stylistic processes:
Backgrounds and media effects
Bokashi (gradation)
Katabokashi (bleeding one side of a painted line)
Sotoguma (bleeding the outside lines of a painted area)
Tarashikomi (stain in wet ink)
Momigami (creased paper)
Moriage (Relief painting)
Misting,
Metal leaf (Altered, 2 techniques of oxidation with sulfur)
Technique of mawabata: absorbent silk cotton / juice of kaki (Kakishibu) as stencil

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Day 3 and Day 4
Creation of an average size by choosing among techniques proposed during the first two days.
At the end of the day, a projection of clips of documentary movies about the nihonga (artists in the work) will be proposed

Day 5
Experiment and western materials
Use of pigments and animal glue
Powders of French shell (Ostrecal)

Gesso and relief

Collage technique

Nihonga on wood

Duration: 35 hours

Cost: 5 day workshop 500 euros, or 100 euros per day + 30 euros annual membership

N.B.: the program can be adapted according to the schedule (workshop from 1 to 5 days)

For more information, please contact: 0609390742

pigmentsetarts@yahoo.fr

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Workshop views

Valérie Eguchi is French.
Painter trained in the traditional techniques of ornamental paint in 1987, she travelled repeatedly in Japan, where she discovered the practice of the Japanese paint Nihonga .

She was trained in 2007 with Yiching Chen at her “Pigments et Arts du Monde” association.

At the end of 3 years of studies and practice, fascinated by this mode of expression, she passes on her discoveries by means of initiations and by demonstrations.

Lieu: AGORA (maison des associations)

18 rue Aristide Briand à Issy les Moulineaux

A 5mn de la Station Tram T2 “Les Moulineaux”

(A 11mn de la Porte de Versailles à PARIS)

Best accomodation:

Hotel Ibis

 

Japanese painting (nihonga) classes in Paris

Learn nihonga with Valérie Eguchi

With Nihonga, I suggest discovering the feel of the material, and the play of the shines and matte effects due to the brightness of the crystals in the pigments, metallic sheets and oxidations.
In Japanese painting all the materials are prepared by the artist.
Once a basic sketch is completed, individual pigments are mixed with some water and Nikawa on a small dish.
Nihonga gives us a sense of inner peace and brings us outside of our day-to-day urgencies.
We are able to do this because of the time taken to prepare for each painting. It is also a time of necessary reflection for every element entering the composition of the picture.
These initiations into Nihonga take place under the guidance of the instructor through workshops, or regular courses in Paris, and in Issy les Moulineaux (sud Paris )
The workshops take place in a quiet environment, in which each participant receives equal attention and is able to share the knowledge imparted by the instructor.

2016 Dates

Weekend 2 days:
January: 9/10

Fébruary: 6/7

March: 12/13

April: 9/10

May: 21/22

June: 21/22

With Nihonga today, artists compete using elements of craft and creativity to create new effects.
Shinji Matsumura, a japanese painter, Shu-Chen a Taïwanese painter, used those effects for some of their creations..

Discover the effects of silk cotton applied to metal leaf
We use some silk cotton which we stretch on a chassis, to create a natural cotton lace.
This lace is solidified with the kakeshi boeshi (juice of fermented khaki otherwise known as persimmon).
The lace then serves as a stencil through which we shall fix pigments, metallic powders or metallic sheets.
Models are then proposed to realize a small picture
Places are limited to 5 persons
Different effects:

Shu-Chen present this technic in a video
For more information, please contact: 0609390742

pigmentsetarts@yahoo.fr

Happy New Year!

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I wish you a happy sheep year!!

2015 is the Year of the Green Wooden Sheep. (Hitsujidoshi – 未年)

Here are the new dates for nihonga workshops at the gates of Paris

2015

Janvier: 17/18/19/20

Février: 14/15

Mars: 14/15

Avril: 11/12/13/14

Mai: 16/17

juin: 6/7

Détails:  www.pigmentsetartsdumonde.com

 

 

Peindre avec Ito Jakutchu 伊藤若冲

Ito Jakutchu (1716/ 1800) né à Kyoto, est un peintre qui a vécu au cours deuxième partie de la période Edo, une époque particulièrement riche en créativité. da2f7dd9ff3d76136716e18abcc7e4b7
Issu d’une famille de riches marchand, libre de toutes contraintes économiques et mêmes artistiques, sa formation a principalement dérivé de sources d’inspiration issues de la nature et de l’examen des peintures chinoises dans les temples Zen.

Il croyait que toutes les créatures vivantes avaient le «shinki» (Esprit de Dieu), et il a commencé à peindre pour le capter.

Certaines sources indiquent qu’il a peut-être étudié d’après l’oeuvre de Ooka Shunboku , un artiste connu pour ses peintures de fleurs et d’oiseaux. Bien qu’un certain nombre de ses tableaux représentent des créatures exotiques ou fantastiques, telles que les tigres et des phénix, il est évident à partir du détail et l’aspect réaliste de ses tableaux de poules et d’autres animaux qu’il a basé son travail sur l’observation réelle. Ses modèles sont des oiseaux qu’il élève dans son jardin dont un paon et un perroquet, très rare à cette époque, et diverses sortes de coqs.
Daiten Kenjō, supérieur du temple Shōkoku+ji, qui entretint une amitié profonde avec le peintre, nous transmet dans le texte «Ketsumei» gravé sur une stèle à la mémoire de l’artiste: «Il n’y a rien qui surpasse le fait de regarder les choses directement, et de faire fonctionner son imagination sur ce qu’on va peindre. C’est cela le plus important»
Par ailleurs , il est amusant de constater que certaines oeuvres plus fantaisistes ont pu être inspirées par des albums à dessin alors que la technique de l’estampe était en plein essor. En effet , dans sa série “le monde coloré des êtres vivants” on peut découvrir la représentation de coquillages étalés sur le sable dans une disposition loin d’être réaliste. Elle pourait avoir été inspirée par l’album “Dessins pour ranma” publié en 1734 par Ooka Shunboku, alors que Jakutchu avait tout juste 20 ans.
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Jakutchu travaillait donc en observant minutieusement la nature , mais il développa son style si original grâce également à la copie de peintures anciennes, en déformant les modèles et en les personnalisant.

Il est également tout à fait possible que le modèle, avec sa facture liée étroitement à la gravure sur bois aie facilité la stylisation de certaines des oeuvres de Jakutchu.

On peut d’ailleurs penser qu’il en fut autant pour un grand nombre d’oeuvres réalisées par les peintres de cette période, qui sont paradoxalement très souvent des copies de maîtres anciens. La raison est que les techniques de reproduction (l’estampe) ont contribué à l’apparition de nouveaux styles de peinture, grâce à une large diffusion des modèles, qui furent accessibles aussi bien aux autodidactes qu’aux étudiants des écoles, et aux artistes professionnels; mais aussi grâce à l’obligation pour le peintre de “copier sans copier”, de donner un caractère physique au modèle issu de procédés mécaniques, et donc de trouver des solutions plastiques pour transcender le modèle. C’est alors qu’apparaitra entre autres, la peinture au doigt (Shitogâ) et la peinture sous l’emprise de l’alcool (Suisaku).
Pour revenir au peintre Ito Jakuchu, j’ai pu découvrir grâce à mon amie Emiko un très intéressant documentaire qui lui était consacré sur la chaine japonaise NHK.

On découvre dans ce très beau documentaire, une exploration microscopique de quelques oeuvres de Jakutchu. En effet au Japon, pays à la pointe du point de vue technologique se trouvent les outils les plus perfectionnés du monde comme j’ai pu le découvrir lors de ma visite de l’Université Kibi .
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Pour commencer, l’étude de l’oeuvre “Érable et petits oiseaux” rouleau peint sur soie, montre grâce à l’observation avec un matériel de haute technologie, le procédé que le peintre a utilisé pour obtenir une vibration des couleurs.

Le peintre a utilisé le procédé “ura-gu” (coloration inversée):

L’application de l’ura-gu est limitée à la soie et principalement aux thèmes des figures, fleurs et oiseaux. La même couleur est appliquée sur l’envers puis sur l’endroit. Habituellement la même couleur est utilisée sur l’endroit et l’envers, mais cela dépend de celle utilisée sur l’endroit; une couleur différente peut être utilisée. L’application de l’ura-gu est considérée comme un style de peinture.

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Après avoir reproduit le procédé, on constate en comparant deux modèles peints avec coloration unique et coloration inversée, la manière dont se reflète la lumière sur les particules de couleurs.
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Il en résulte une vibration et une luminosité augmentée sur le modèle en coloration inversée.
Des années plus tard les impressionnistes et les pointillistes utilisèrent d’autres procédés dans leur quête de la lumière.
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Une autre oeuvre est ensuite l’objet d’une étude approfondie: “Le vieux pin et le phoenix blanc” est une peinture qui fait partie des 30 rouleaux de la série “le monde coloré des êtres vivants” comme le précédent.
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Cette fois l’arrière de l’oiseau au verso de la soie est recouvert de feuille d’or pour obtenir un effet translucide grâce à la finesse de la trame.
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Dans le cadre d’un cours j’ai proposé à une élève de travailler à partir d’une oeuvre d’Ito Jakutchu.
Mouki a choisi “les coqs”
Ce n’est pas réalisé sur soie mais sur papier japonais, les pigments sont des pigments suihi.
C’est un bel exercice et une occasion d’apprendre à travailler le plumage façon “écailles de poissons” comme le représentait le peintre.
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Quelle est la plus grande difficulté que rencontrent les élèves?
Ralentir, prendre le temps, laisser au pinceau le temps de déposer les pigments, ne pas s’inquiéter du temps que cela va prendre.
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Souvent dans le cadre d’un cours je réalise de petits modèles pour montrer comment je procède par exemple ici avec les plumes. Pour ce cours, j’ai séparé les deux coqs du modèle original.

Sources:
– Les peintres de Kyoto au XVIII siècle ou la peinture à l’époque de sa reproductibilité technique – SATO Yasuhiro
– An Illustrated Dictionary of Japanese-Style Painting Terminologie
– Kyōji TAKUBO,conseiller culturel du sanctuaire de Konpirasan – Osamu IKEUCHI

“Living in Aging” Yuko IMAI

Nihonga painter, Yuko Imai, is a 25-year old young woman who has touched me with the portraits of her grandmother. The depictions of her grandmother, outside of the politically correct codes of representations, testify to the reality of feelings yet also hints at the ambivalence of emotions. These images of her grandmother is at once, soft, humble, cheeky but also confronting and disturbing.
A present day reality represented in a painting style from which we can sense an undertone of ancient sourced inspiration.
I will now hand it over to Yuko Imai.


When people grow old, they do not simply. Sometimes, they release indomitable vitality.
Facing impending doom, their vitality is peeled bare, clinging desperately to the life.
I felt this when spending time with my grandmother, watching her life as she stood face to face with her imminent end.
By painting and looking at “old age,” and discovering through trial and error what “life” is, I realize that I too am destined to be
deeply fascinated with the process of life and death.
The lives of people are expressed through their wrinkles, the depth of their pupils, as well as the ends of their fingertips.
As someone living in the moment, in the now, I hope to develop my work to pursue the real essence of people I meet.

When I was a child my grandmother suffered a nervous breakdown when she lost her husband, my grandfather.
For the past six years, she has not “lived” aside from eating and sleeping. She now only lives through her own tenacity.
Her only reason for living is her attachment to the mortal body.
No matter what she transforms into, she insists on staying alive, if only to not die.

She discloses her desire to satisfy no one but herself.
Showing a cold glance to others and then a sympathetic smile to her grandchild, she expresses a mix of underlying emotions that are continuously interwoven and in conflict with one another.
The broken mirror in my work symbolizes a collapse in her rationality, and her inability to connect and relate with society.
Though I love her as my grandmother, the broken mirror also signifies my feelings of resentment towards her.

The theme, “Living By Aging”, ponders what it means to live a life.
Recently, Japan has become an aging country, and a trend of the elderly taking care of the elderly has been increasing, and in my opinion, the question of death now overshadows our thoughts on how tolive.
However, the events after the recent Tohoku Earthquake have shown us the power of mankind’s mortality.
I believe that by asking questions and thinking about life and our existence, we will form a new sense of values about humanism.
Yuko Imai